L’ otto maggio Jarrett ha compiuto 80 anni, tra i molti ricordi sulla rete ho scelto e parzialmente tradotto questo scritto di Ted Gioia dal suo sito web The Honest Broker. Il critico e giornalista statunitense fa una analisi del primo decennio come artista di Jarrett. Buona lettura
All’indomani del successo del Koln Concert , Jarrett si rifiutò di suonare in concerto qualsiasi musica dell’album. Non fece alcun tentativo di registrare un album successivo nello stesso stile.
Infatti, la volta successiva che Jarrett pubblicò una registrazione dal vivo per pianoforte solo, si assicurò che fosse confezionata come un ingombrante e costoso cofanetto di 10 album inadatto al mercato di massa. Per anni ha lavorato per impedire ad altri di registrare o pubblicare la musica di Koln Concert.
In seguito disse a un intervistatore: “Dobbiamo anche imparare a dimenticare la musica. Altrimenti diventiamo dipendenti dal passato”. Questa è sempre una buona filosofia per un musicista jazz. Ma in questo caso, Jarrett si riferiva specificamente al suo album più venduto.
Questo successo, anche se sconfessato dal pianista, testimonia la sua straordinaria musicalità. Il concerto di Colonia è stato una potente dichiarazione creativa. Ma successi di questo tipo non vengono dal nulla.
Permettetemi di sondare le origini dello stile di Keith Jarrett in 10 tracce. Ognuno di queste è stata registrata tra i 20 e i 30 anni di età. Chiariscono che Jarrett era già un musicista formidabile dal momento della sua prima registrazione, ma in qualche modo è riuscito ad espandere e far avanzare la sua visione a un ritmo spaventoso per un altro decennio.
Non è esagerato dire che Jarrett non solo ha ampliato la portata delle sue ambizioni durante questi anni, ma in qualche modo è riuscito ad ampliare l’intero vocabolario jazz. In molte di queste prime registrazioni, Jarrett ha fatto cose che nessuno aveva mai tentato prima nel genere.
Keith Jarrett (con Art Blakey): “Secret Love”, registrato dal vivo al The Lighthouse, Hermosa Beach, California, 1966
Jarrett ha registrato un solo album come membro dei Jazz Messengers di Art Blakey, ma è una bomba. Questo è ancora uno dei miei brani preferiti di Jarrett, anche se aveva appena superato l’adolescenza quando l’ha realizzato. Tutto qui si guadagna le mie lodi: il suo tocco alla tastiera, le sue linee improvvisate, la sua raffinatezza ritmica, il suo virtuosismo senza sforzo. Ma sono particolarmente colpito dalla sicurezza con cui sfida il leggendario batterista Art Blakey, che all’epoca era il capo di Jarrett.
Dalle note iniziali del suo assolo, al minuto 5:15, Jarrett spinge il centro tonale sull’orlo del baratro, in un modo che non avevo mai sentito fare a nessuno nella band di Blakey. Dopotutto, i Messengers godevano di fama come un ensemble hard bop soul, non un gruppo d’avanguardia: i pianisti della band avrebbero dovuto suonare con un groove funky e boppish in brani come questo. Ma Jarrett ha un’agenda diversa, iniziando con un’atonalità stridente, ma alla fine si sposta su un bebop duro intorno al minuto 6:45. L’intero assolo è incredibilmente dirompente.
Mi piacerebbe ascoltare una dozzina di altri album di Jarrett con la Blakey band. In un certo senso, Blakey era un batterista ideale per Keith, in grado di contrastare le tendenze impressionistiche che definirono gran parte del lavoro successivo di Jarrett. Ma i fan come me hanno solo questa data dal vivo da godere.
Keith Jarrett (con Art Blakey): “My Romance”, registrata dal vivo al The Lighthouse, Hermosa Beach, California, gennaio 1966
Ho bisogno di condividere un’altra traccia di questo album di Art Blakey, perché è il primo esempio del modo di suonare lirico di Jarrett su disco. Questo melodismo palese sarebbe venuto alla ribalta in The Köln Concert, ma se ne possono già sentire accenni in questa stessa esibizione del 1966 al The Lighthouse. Qui la band offre una di quelle ballate lente che anche le band hard bop suonavano occasionalmente, in questo caso “My Romance”, composta da Richard Rodgers nel 1935.
La dichiarazione melodica e l’assolo di apertura sono qui gestiti da Chuck Mangione, ma poi il giovane Keith Jarrett prosegue con un assolo di pianoforte al minuto 3:45 che cancella tutto ciò che lo ha preceduto.
Ogni frase è fresca, libera e adorabile, e l’ascoltatore sente immediatamente che questo è ciò che dovrebbe suonare una ballata jazz romantica. È emotivamente diretto, ma mai cliché o sdolcinato. È più simile a una conversazione flirtante con qualcuno di cui sai che ti innamorerai. E date un’occhiata al tono che Jarrett tira fuori da quel pianoforte Lighthouse malconcio. C’è così tanta musica qui, ma l’intero assolo dura solo 100 secondi.
Keith Jarrett (con Charles Lloyd): “Of Course, Of Course”, registrato e girato agli RTB Studio in Belgio, il 2 maggio 1966
Dieci mesi dopo, Jarrett è apparso per la prima volta in un film, come membro del quartetto di Charles Lloyd, suonando e dimenandosi con un costante movimento del corpo alla tastiera. Se l’avessi fatto ai miei recital di pianoforte da studente, la mia insegnante (una suora di nome Suor Camille Cecile) mi avrebbe colpito a bacchettate.
Jarrett sta già scavando nel suo bagaglio di trucchi alla Cage e Cowell: schiaffeggiare le corde del pianoforte o strimpellarle o premere su di esse per distorcere le note. Ma voglio richiamare l’attenzione in particolare sul suo assolo su “Of Course, Of Course”, che inizia al minuto 7:20. Qui troviamo l’origine di tutti quei vamp funky e ostinati negli ultimi album di Jarrett.
Ormai non sembra più jazz: ci sono più Ray Charles e Meade Lux Lewis qui che in qualsiasi altro jazz club. Il fatto notevole, tuttavia, è che Jarrett a quel punto era completamente istruito in pianistica jazz avanzata e aveva bevuto a piene mani dai maestri più progressisti di quest’arte, ma poi si siede al pianoforte, come se avesse dimenticato tutto, e invece riecheggia un groove gospel da riunione revival.
Questo tipo di talento faceva paura, e Jarrett avrebbe compiuto 21 anni 6 giorni dopo.
Keith Jarrett, “Liza”, registrato a Oslo il 7 maggio 1966
Questo brano è stato registrato cinque giorni dopo il precedente, ed è un bootleg. Qualcuno l’ha trovato negli Archivi Jazz Norvegesi, una donazione di Randi Hultin, che ha stretto amicizia con tante leggende del jazz nel corso degli anni.
Probabilmente è stato registrato a casa di Hultin, e certamente non era destinato alla distribuzione commerciale. Keith non suonava così in concerto all’epoca, né in nessun altro momento. Qui si sta solo divertendo, o forse si sta solo mettendo in mostra.
Ciò che offre è così sorprendente che si possono sentire le persone (Charles Lloyd? Randi Hultin? Jack DeJohnette?) ridere di stupore in sottofondo. Per cominciare, Keith dimostra di saper suonare il tradizionale stile stride piano e di aver studiato attentamente Art Tatum e gli altri maestri di questo stile.
E poi passa alla sua pirotecnica tastiera a due mani. È un virtuosismo di altissimo livello, ma Jarrett lo fa come se niente fosse.
Jarrett ha ancora 20 anni, ma il giorno dopo ne compirà 21.
Keith Jarrett (con Charlie Haden e Paul Motian), “Everything I Love”, registrato a New York il 4 maggio 1967
L’Atlantic Records offrì un contratto al giovane pianista e lui registrò il suo debutto da leader nel 1967. Fu un grande successo: l’Atlantic era la casa di Aretha Franklin, Sonny & Cher, Otis Redding e altri grandi nomi. L’etichetta probabilmente voleva qualcosa di soul, ma Jarrett scelse di registrare con un trio jazz dalle sfumature delicate.
Jarrett ha spiegato nelle note di copertina:
Devo aggiungere una parola sulla sessione di registrazione. È stata fatta senza alcuna restrizione musicale. Il signor Avakian (uomo dai molti mondi) ha supervisionato la registrazione, ma non è stata apportata alcuna modifica alla musica. Gliene sono estremamente grato.
Fin dall’inizio, Jarrett pretendeva la libertà artistica, un tratto distintivo del suo lavoro quasi quanto qualsiasi vocabolario musicale specifico. E chi avrebbe potuto lamentarsi della scelta dei suoi compagni di band: il bassista Charlie Haden e il batterista Paul Motian? Sarebbero rimasti con Jarrett per il decennio successivo.
Keith Jarrett, “For You and Me”, registrato a New York il 12 marzo 1968
Niente ti prepara a ciò che Jarrett fece dopo.
All’improvviso, abbandona il jazz e si trasforma in un cantante folk rock alla Bob Dylan, con un pizzico di Donovan per buona misura. Ma nemmeno Dylan e Donovan insieme suonavano 11 strumenti diversi in un album. Le ambizioni erano così alte che l’etichetta Atlantic aggiunse persino uno spartito musicale al retro della copertina, in modo da poter seguire cosa suonava Keith in ogni traccia.
Al giorno d’oggi quasi nessuno parla di questo album, nemmeno i fan di Jarrett. È troppo strano. Jarrett stesso ha abbandonato le sue ambizioni folk rock (anche se alcuni di questi elementi si sono ritrovati nel suo lavoro al pianoforte jazz). Quando l’ho ascoltato per la prima volta, anni fa, non riuscivo a gestirlo, per niente.
Ma col senno di poi, ora penso che Jarrett avesse un suono di chitarra piacevole e sapesse scrivere melodie pop. La sua voce è un po’ roca, ma, a dire il vero, lo è anche quella di Dylan.
“Restoration Ruin” non era un’affermazione abbastanza forte da scalare le classifiche, ma con un po’ di pazienza Jarrett avrebbe potuto perseguire questa visione alternativa con un certo successo. Se avesse dedicato qualche anno ai tour come cantautore, avrebbe potuto benissimo lasciarci a bocca aperta.
Eppure non ho rimpianti perché Keith aveva in serbo cose più grandi di questa per il suo futuro.
Keith Jarrett (con Miles Davis): “Honky Tonk”, registrato e filmato dal vivo al Chateau Neuf, Oslo, Norvegia, il 9 novembre 1971
Mi viene da ridere ogni volta che sento parlare di come Miles Davis abbia conquistato un pubblico trasversale negli anni ’70. Questa non è musica trasversale, amici miei.
Le canzoni sono strane e inquietanti, prive di ritornelli radiofonici. In effetti, i brani sono così lunghi e sconclusionati che persino i dj jazz esitavano prima di proporre questa profonda fusione ai loro ascoltatori. Non posso negare che alcuni di questi album di Davis vendessero in grandi quantità, ma in momenti come questo, credo che Miles stesse sfidando il suo pubblico rock invece di ingraziarselo.
No, non credo che questa sia la migliore musica di Jarrett dell’epoca, ma ha tratto beneficio dal lavorare con una leggenda del jazz disposta a correre rischi e a resistere alle aspettative. Qualche anno dopo, Jarrett avrebbe anche goduto di un notevole incremento di vendite, pur infrangendo molte delle regole consolidate del genere. Molto prima del Köln Concert, aveva imparato a costruire forme lunghe e sconclusionate partendo da intermezzi, vamp, cambi di registro e tessiture. Gran parte di ciò lo aveva imparato sotto la guida di Davis.
Keith Jarrett: “In Front”, registrato a Oslo il 10 novembre 1971
L’album “Facing You” segna la svolta più importante nella carriera di Jarrett. Di fatto, questo disco rientra in qualsiasi ristretta lista dei dischi per pianoforte jazz solista più importanti di tutti i tempi.
Fino a questo punto, Jarrett era un prodigio che sapeva fare quasi tutto, ma non c’è una vera coesione nella sua visione del mondo. Quei brani con Miles e Blakey e il vistoso pezzo solista di cui sopra sembrano opera di pianisti diversi.
Eppure, in qualche modo, Jarrett sviluppa – quasi da un giorno all’altro, a quanto pare – uno stile unificato e olistico che incorpora tutti questi ingredienti precedentemente disparati, dal lirico al funky. Il risultato finale suona diverso da qualsiasi altro album jazz per pianoforte fino a quel momento.
Qui tutta la fraseologia jazz moderna del passato viene sostituita da qualcosa di inedito. Da dove ha preso tutte queste nuove frasi e relative tessiture? Bartók? Shostakovich? John Coates ?
Non credo che lo sapremo mai. E, a dire il vero, Jarrett stava creando così tante cose nuove che i precedenti non contano quasi nulla. Detto questo, diamo ampio merito al nuovo produttore di Keith (Manfred Eicher) e alla sua etichetta (ECM). Nessuna collaborazione tra produttore e musicista nella storia del jazz è stata più produttiva per così tanti anni.
Keith Jarrett: The Bremen Concert, registrato dal vivo a Brema, in Germania, il 12 luglio 1973
Durante i miei anni di formazione, non c’era album che ascoltassi più spesso di Solo Concerts: Bremen/Lausanne . Era la musica che ascoltavo tutta la notte in loop su una cassetta. Poi lo riascoltavo durante il giorno.
Se “Facing You” rappresenta la svolta nella sintesi stilistica di Jarrett, i successivi concerti solisti dimostrarono fino a che punto Jarrett potesse spingersi con la sua nuova concettualizzazione del pianoforte jazz. Le performance erano totalmente improvvisate: non c’erano nemmeno titoli di canzoni, la musica scorreva fluida. L’unico vincolo era l’orologio del pianista, che lui stesso appoggiava sul pianoforte. Questo gli dava un’idea di quanto a lungo suonare, ma tutto il resto avveniva senza regole o restrizioni.
Adoro ogni angolo di questa musica. Ma i primi venti o trenta minuti del concerto di Brema appartengono alla mia lista di album da portare su un’ isola deserta.
Keith Jarrett (con il suo quartetto americano): “Introduction/Yaqui Indian Folk Song”, registrato a New York il 27-28 febbraio 1974
Jarrett continuò a registrare come bandleader per diverse etichette discografiche statunitensi, tra cui la Columbia, che notoriamente firmò un contratto con il pianista e lo licenziò dopo un singolo album . Nonostante ciò l’artista ha venduto milioni di dischi nei due anni successivi al suo licenziamento.
Ma mentre Jarrett ridefiniva il pianoforte jazz solista, continuò a esplorare nuovi territori con il suo cosiddetto quartetto americano, costruito attorno a Charlie Haden, Paul Motian e Dewey Redman. Molti di noi lamentano ancora il fatto che questo gruppo si sia sciolto a metà degli anni ’70. Jarrett avrebbe poi guidato altri ensemble eccezionali, ma nessuno ha mai suonato come questo.
Il gruppo americano meriterebbe un articolo a sé stante, ma permettetemi di citarne uno: un adattamento di una canzone popolare nativa americana che la band di Jarrett suonò come bis la prima volta che vidi questo gruppo in concerto . Qui dimostrò come questa nuova vena lirica, così evidente nel suo lavoro al pianoforte solo, potesse prosperare anche nel contesto di un quartetto jazz postmoderno.
Questi brani hanno gettato le basi per il bestseller Köln Concert, e per molto altro. In futuro, ho intenzione di esplorare il lavoro di Jarrett a metà carriera, a partire dai suoi trent’anni. Si tratta di un corpus di opere molto ricco, che comprende i suoi quartetti americani e norvegesi, vari progetti per tastiera, composizioni orchestrali e persino il debutto di Jarrett come pianista classico.
Ma questo primo decennio ha fissato un livello elevato, non solo per Jarrett, ma anche per tutti i suoi contemporanei. Il corpus di opere che ci ha lasciato di questo periodo è ancora oggi al centro della sua eredità e segna un contributo fondamentale alla musica americana moderna.
Buon ascolto!
Tra poche settimane, il 30 maggio, uscirà un nuovo album di Jarrett. È stato registrato quasi un decennio fa in un contesto di importanza storica per la musica classica: la Great Hall del Musikverein, il cui primo recital d’organo fu tenuto da Anton Brukner . Il concerto di Jarrett si è svolto durante un tour europeo che ha già prodotto tre album precedenti per ECM: Monaco 2016, Budapest Concert e Bordeaux Concert . Il nuovo singolo, che come il resto del concerto è stato composto istantaneamente, è una rêverie di dieci minuti e mezzo, “Part V”.
C’è un luminoso spirito in questa performance, insieme a una scoperta che si fa lentamente strada: la sensazione che Jarrett stia gradualmente trovando il suo percorso lungo un sentiero oscuro. (Ascoltate la serie di sottili epifanie armoniche che si verificano dopo il settimo minuto: è il suono di un mondo in costruzione.) Un aspetto della tradizione che circonda i recital solistici improvvisati di Jarrett ha a che fare con le decisioni prese momento per momento che finiscono per sembrare parte di un disegno più ampio. Questo ne è un esempio perfetto.
Poco dopo il tour europeo del 2016, Jarrett fu colpito da un ictus, e poi da un altro, che lo resero incapace di esibirsi. Ha parlato apertamente della sua guarigione ed è stato attivamente coinvolto nell’approvazione della pubblicazione del suo materiale. Nel frattempo, la sua leggenda non fa che crescere: all’inizio di quest’anno, abbiamo assistito all’uscita di un film tedesco intitolato Köln 75 , una drammatica rivisitazione delle circostanze che hanno portato alla nascita del suo album più celebre, The Köln Concert.
ECM ha in programma di pubblicare una ristampa in vinile per il 50° anniversario di The Köln Concert questo autunno, e celebrerà ulteriormente il suo 80° compleanno con un cofanetto LP intitolato At The Deer Head Inn – The Complete Recordings . Questo includerà entrambi gli album che Jarrett ha registrato con un trio nell’amato ritrovo jazz dei Poconos nel 1992: At the Deer Head Inn , e un recente sequel, The Old Country.
Tracce di Jazz 
Un Jarrett che non conoscevo, grazie.
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